Música

O Homem Das Mil Vozes

(Atualização: Esse mesmo texto também foi postado no blog da Immagine. Link aqui.)

Chega a ser clichê referir-se a Mike Patton como “o homem das mil vozes” dentro do cenário musical, devido ao imenso talento que possui e em como seu dom já atingiu os mais diversos públicos. Para quem já navegou do underground ao mainstream, indo e voltando por diversos estilos diferentes, Patton já tem provas mais do que suficientes para tal título.

Sua habilidade vocal impressiona. Patton consegue ir de um gutural raivoso para uma afinação mais melódica em questão de segundos, isso até na mesma música. Veja abaixo, em uma apresentação com o Mr. Bungle. Por volta dos dois minutos e vinte segundos é possível ter noção dessa transição vocal que ele faz. E o mais impressionante: ao vivo!

Depois que atingiu o estrelato à frente do Faith No More, lá no início dos anos noventa, o cara não parou mais: fundou vários projetos, fez parcerias com artistas dos mais diferentes níveis, passeou por diversos estilos e também trabalhou com trilhas sonoras de filmes e videogames. Também criou a Ipecac Recordings, uma gravadora que lança atualmente artistas que seguem sua mesma linha experimental.

Seu trabalho mais recente é o Dead Cross, que fundou com seu ex-parceiro do Fantômas, Dave Lombardo (ex-Slayer). Aqui o som é extremamente pesado, um hardcore punk bem rápido e agressivo, que soa ainda melhor (novamente) ao vivo. Veja.

Em 2013, tive o prazer de ver o Mike Patton ao vivo no Lollapalooza com o Tomahawk, uma de suas bandas mais interessantes. Veja abaixo a apresentação da canção “God Hates A Coward” (se vires um espantalho gigante e de óculos escuros balançando a cabeça, sou eu):

Seja com o Faith No More, Fantômas, Tomahawk, Peeping Tom, Lovage, Dead Cross, suas trilhas sonoras ou as participações com outros artistas, não importa: ele se entrega de forma total em qualquer trabalho. De todos os vocalistas vivos, o considero o melhor. Caso o leitor tenha curiosidade em conhecer melhor a sua discografia, comece pelo Faith No More, é o “mais acessível”.

+Filmes

+1 Filme (Ou Seria +1 Livro?): Drive

(O link original para o Blog da Immagine está aqui.)

Uma das melhores e mais rápidas leituras que fiz esse ano, “Drive”, de James Sallis, é um prato cheio para amantes de histórias sobre crimes, ambientes sujos, personagens enigmáticos e carros, muitos carros. O Piloto, personagem principal cujo nome nunca é revelado, é o centro da história.

Ele, que costuma dizer que “apenas dirige”, é o melhor no que faz. Durante o dia, trabalha como dublê de filmes. À noite, faz serviços fora da lei. E ele deixa bem claro que sua única função é conduzir o veículo até o local, esperar o ato e fugir dali. Só que tudo desanda quando um dos assaltos não ocorre como esperado e, a partir daí, a trama gira em torno do Piloto tentando salvar a sua própria vida.

Seguindo uma linha do tempo não-linear, a estrutura pode deixar o desenrolar dos acontecimentos meio confuso a princípio, sendo necessário retornar algumas páginas em certos momentos para compreender melhor em qual parte do tempo determinado capítulo está. Porém, isso não atrapalha o entendimento da história. E alguns deles centram-se em outros personagens, como o Doutor e o vilão, Bernie Gold, o que deixa o livro ainda mais interessante.

O texto possui um vocabulário bem coloquial, cheio de gírias, palavrões e um humor negro bastante refinado. Os locais são bem detalhados, e o leitor, de certa forma, entra no ambiente. E por se tratar de relações entre personagens cujas atitudes são bem questionáveis, o teor de algumas cenas é de bastante violência.

Assim como o livro que falei sobre no último texto, “Drive” também ganhou uma adaptação (bem elogiada e vencedora de prêmios, por sinal) para os cinemas. Ryan Gosling fez o papel do Piloto e, apesar de achá-lo um bom ator, sua atuação não me convenceu e as mudanças da adaptação em relação ao livro me incomodaram. Entretanto, a película é de uma fotografia e direção impecáveis, lembrando muito a estética de filmes noir.

Falando em modo particular, até tento, não consigo desassociar a obra literária da cinematográfica. Logo, o filme não é tão brilhante quanto o livro. Se o leitor consegue fazer tal distinção, os dois serão de todo agrado.

Crônicas

Gravidade

(Meu mais recente texto publicado no blog da Immagine. Link aqui.)

Há algumas semanas, o American Park se despediu de LEM e foi levar sua diversão para outra cidade. Com isso, aquela praça dos três poderes voltou ao seu marasmo habitual. Agora, bate uma tristeza passar pela rotatória da mesma, ao lembrar os bons momentos.

Foi a primeira vez que fui a um parque e participei das atrações. Gostei tanto que, ao todo, fui quatro vezes. A sensação de desafiar o medo da morte, do desconhecido e a gravidade me fez muito bem, algo que não sentia há bastante tempo.

É incrível como nosso cérebro resolve travar batalhas contra nós mesmos nesses momentos de apreensão. Ao trancar o banco de um brinquedo giratório que, como um pêndulo, balança a uma altura muito, mas muito alta, os pensamentos que invadiam minha mente eram os piores possíveis. “Isso vai cair igual naquele filme” ou “meu banco vai se abrir e vai acontecer uma tragédia”, e só piorava. Porém, ao repetir o brinquedo mais duas, três vezes, o medo dava lugar à euforia, à sensação de sentir-se vivo. Foi aí que eu compreendi que sentir medo é se sentir vivo e que é preciso encarar o desconhecido.

Posso levar isso para muitas situações da minha vida, e vou além: muitos dos meus erros ou falhas se derivam de não encarar o desconhecido. No campo da escrita é o exemplo mais claro. Muitas idéias que tenho poderiam ser mais bem desenvolvidas (muitas delas não chegam nem ao papel) justamente por não colocá-las em prática e trabalhar para torná-las algo concreto. Mas o fato de elas serem tão boas no campo da IDEIA me causa receio em colocá-las no campo do MATERIAL, por medo de não conseguir desenvolvê-la o suficiente. Ou seja, falta encarar o desconhecido.

Esse assunto mesmo permaneceu no campo da IDEIA por muito tempo e só agora resolvi desenvolvê-lo.

Foi preciso me arriscar contra a gravidade, sentir muito medo para aprender a encarar o desconhecido. Agora, só falta colocar em prática. Mas isso eu deixo para uma próxima hora.

A princípio, sigo como Maynard James Keenan: eu escolho viver.

Crônicas · Música

Humanos

(Meu mais recente texto para o blog da Immagine. Link aqui.)

Foi na casa de um antigo amigo, Thiago “Bola”, que ouvi o Gorillaz pela primeira vez. Fiquei encantado ao ver uma “banda de desenho” tocando uma música tão interessante. Era “Feel Good Inc.”. Pelos meus cálculos, que não estão muito certeiros, era 2005… Acho que está certo, pois um ano depois foi a primeira vez que vim para LEM e lembro perfeitamente de uma coletânea lançada pela Som Livre, chamada Top Hits TVZ 2, em que uma das bandas que passavam na propaganda era justamente o Gorillaz, com “Kids With Guns”, o que, mais tarde, eu achei estranho, pois o trecho do vídeo que passou no anúncio não era dessa  música.

Esse foi o ponto de partida para eu ir atrás de mais músicas da banda, pesquisar sua história, seus criadores e tudo mais. Encantou-me o fato de que um de seus criadores era Damon Albarn, vocalista e líder do Blur (já falei sobre eles aqui e aqui), uma das minhas bandas favoritas. Nessa época em que os conheci, o segundo disco deles, Demon Days, havia sido lançado e estava fazendo bastante sucesso. Canções como “El Mañana” e “O Green World” estiveram presentes em várias das minhas playlists, além das duas citadas acima. “Dare” foi outra que ouvi bastante.

Alguns anos se passaram e, novamente sem querer, descobri que eles haviam lançado mais um trabalho, e que me carimbou oficialmente como admirador da banda: “Plastic Beach”. Recheado de participações especiais, como os gigantes do rap Snoop Dog, Mos Def e De La Soul, até ícones como Lou Reed, esse disco me pegou em cheio. A primeira que ouvi foi “On Melancholy Hill”, cujo videoclipe é muito legal. O que falar então de “Stylo”, que tem até Bruce Willis perseguindo a banda no meio do deserto? É uma música melhor que a outra.

Depois de “Plastic Beach”, saíram mais três: “The Fall”, de 2010; “Humanz”, de 2017; e “The NowNow”, desse ano. Os dois mais recentes, inclusive, estão baixados no meu Spotify há umas três semanas (ou mais), mas não os ouvi ainda. Tenho uma “coisa” com lançamentos, não consigo ouvi-los quando ainda estão recentes. Tenho medo, creio eu, de me decepcionar. Ainda mais nesse caso, onde tenho como base o “Plastic Beach”, cujo nível é altíssimo.

Deixo abaixo duas músicas de cada disco (dos que ouvi) para vocês apreciarem. E sobre o meu amigo que cito no início do texto, não nos vemos e nem nos falamos há anos. Coisa de humanos.

+Filmes · Crônicas

Pai e Filho

(Meu mais recente texto para o blog da Immagine. Link aqui.)

Filmes de super-heróis estão cada vez mais presentes nas salas de cinema. Desde histórias que contam suas origens, a inserção deles em meio à sociedade, até as super-alianças com outros heróis combatendo forças megalomaníacas que ameaçam acabar com o planeta. Tem espaço para tudo. Só o Homem-Aranha, meu preferido da Marvel, está em três “universos” diferentes. O Batman, meu favorito de todos, idem. Mas eu gostaria mesmo é de falar sobre David Dunn, o herói “humano” de “Corpo Fechado”.

Digo “humano” porque é assim que ele nos é apresentado. Em “Corpo Fechado”, David é o único sobrevivente de um trágico acidente de trem. Além disso, ele passa ileso pelo acontecimento, sem um arranhão sequer. A partir daí, com a “ajuda” de seu futuro arquiinimigo, Mr. Glass, ele começa a descobrir e entender seus poderes sobrenaturais e o tamanho da responsabilidade que isso o traz. Só que antes de todo esse desdobramento, o protagonista da história nos é apresentado como um ser humano comum. Um homem cujo casamento está por um fio e está triste a todo tempo. Seu semblante é de derrota na maior parte das cenas. Sua postura, cabisbaixa, como se um peso habitasse seus ombros.

Diante desse fator humano/social, o que muito me chamou atenção foi o seu relacionamento com Joseph, seu filho, o que parece ser seu único conforto. E que não deixa de ser um conforto também para o menino, já que ele vive em meio à tensão do relacionamento dos pais. No primeiro encontro entre David (acompanhado pelo garoto) e Mr. Glass, por exemplo, onde a teoria de que ele seria um super-herói é apresentada, Joseph fica maravilhado com a possiblidade. Tanto que o menino leva a sério as explicações de Mr. Glass, enquanto David se mantém totalmente desacreditado (por enquanto).

Uma cena mais adiante reforça esse encantamento do garoto pelo pai: a cena dos exercícios.

David acaba de chegar do trabalho e é recebido pelo filho, que abandona os amigos para acompanhar o pai nos seus exercícios de rotina. O garoto é o responsável por colocar os pesos na barra para que ele possa levantar. Diante da possibilidade de ser realmente um super-herói, David pede a Joseph que ele coloque mais peso. Ele consegue levantar, e pede para que o menino coloque mais. A situação se repete mais algumas vezes, até o espanto de ambos: sem mais pesos para serem acrescentados à barra, eles improvisam algumas latas de tinta amarradas na mesma. Cerca de 250 quilos. E David as levanta, enquanto sua descrença começa a se desfazer.

A partir daí, não cabe a mim desenrolar todos os acontecimentos, mas considerando somente a relação entre pai e filho, preciso citar esse momento: a descoberta do garoto.

Após David realizar a sua primeira investida como um super-herói de verdade, a notícia de seu feito corre pela cidade feito vento. Os jornais a estampam em suas páginas. Em pleno café da manhã, David mostra uma dessas páginas ao filho, que, muito emocionado, não contém as lágrimas. David pede para que ele não reaja e o garoto obedece. Porém, não havia mais volta: a partir de agora, David Dunn era realmente um super-herói e tinha uma responsabilidade.

Mas vejo por outro ponto: desde o início do filme, Joseph já o via como tal, desde quando ele era aquele homem cabisbaixo e entristecido. Assim como, creio eu, a maioria dos filhos consideram os seus pais. Como heróis.

“Corpo Fechado” foi lançado na virada do milênio, em 2000. Foi escrito, dirigido e produzido por M. Night Shyamalan, sucedendo “O Sexto Sentido”. Ele faz parte de uma trilogia composta por “Fragmentado”, lançado em 2016 e “Glass”, cujo lançamento está marcado para o próximo ano.

Crônicas · Música

Aniversário

10 de maio. Dia da prisão de Tiradentes no Rio de Janeiro. Dia do encerramento das atividades da Rede Manchete. Dia em que Luis XVI tornou-se Rei da França. Dia em que Churchill foi nomeado primeiro-ministro britânico. Dia da primeira publicação do Hulk pela Marvel Comics. Dia de São Damião de Veuster e São João de Ávila. Dia em que, dependendo do ano, é Dia das Mães. Também é dia do nascimento de Diego Tardelli, um dos ícones da atual fase vencedora do Atlético Mineiro, nosso Galão da Massa, e que nos trouxe a tão sonhada Taça da Libertadores, bem como de Jair Bala, ídolo do nosso rival América Mineiro. Também nasceram nesse dia: Bono Vox, Dennis Bergkamp, Sid Vicious, Vanderlei Luxemburgo… E eu.

Meus aniversários quase nunca passaram em branco. Nos primeiros anos de vida, foram as festinhas na escola. Na infância, em casa mesmo, só com os amigos da rua. Na adolescência em diante, fui perdendo o ânimo para comemorar. Não que eu tenha me tornado o “chato que nunca comemora nada”, mas perdi a graça. Mesmo assim, era lembrado. A reunião passou a ser mais reclusa: eu, minha mãe e meu pai. Um bolo, alguns salgadinhos e bebidas. Depois de um tempo, só eu e minha mãe.

Quando mudei para LEM, era sempre na casa da minha tia. Mais recentemente, depois que conheci Denise, sempre teve algo diferente. Tive minha primeira festa surpresa, depois tive mais uma. Por último, ganhei um bolo do LULA que, incrivelmente, estava delicioso. O próximo, agora, será o primeiro sem minha mãe.

Por esse motivo, me identifico bastante com a noção de “aniversário” que Damon Albarn retrata na canção “Birthday”, presente no disco de estréia do Blur, o “Leisure”, lançado em 1991. Uma espécie de desânimo total em relação à data que, conforme a letra, nada mais é do que um “dia patético”. Pode até ser que seja, mas a tradição de tornar marcante o dia em que nascemos nos faz, mesmo que inconscientemente, esperar algo de diferente, que não aconteceria em um dia comum.

Porém, eu, que não seria nada sem meus infindáveis questionamentos, pergunto: por que não tornar os dias comuns tão interessantes quanto os nossos aniversários? Isso me remete à fantasia dos tempos de fim de ano, carnaval e outras datas, em que fazemos de tudo para aproveitar melhor o dia, as pessoas, mas que, quando acaba, tudo volta ao marasmo da nossa rotina. Pergunto isso porque, assim como muitas pessoas, também só fico no questionamento. Sem ação.

Mas por acaso ou por esforço nosso, alguns dias comuns se parecem com um aniversário, e tem alguns aniversários que mais parecem um dia comum. Mas também tem aqueles aniversários que REALMENTE se parecem com um aniversário, e dias comuns que nada mais são do que dias comuns. Tudo depende… Da gente.

Para hoje, dia 10, meu aniversário, considerando somente trechos da canção citada, a que mais se assemelha com o que sinto agora seria: “I-think-of-you Day” (Dia de pensar em você).

“It’s my birthday.
No one here day.
Very strange day.
I-think-of-you day.

Go outside day.
Sit in park day.
Watch the sky day.
What a pathetic day.

I don’t like this day,
It makes me feel too small.

I don’t like these days,
They make me feel too small.”

Crônicas · Música

Uma coisa chamada exilado

(Texto que estava na gaveta há muito tempo e que, finalmente, resolvi terminar. Foi publicado no blog da Immagine na última sexta-feira. Link aqui.)

“E assim foi o ano de 1970: o Brasil virou tricampeão mundial e mesmo sem querer e nem entender direito, eu acabei virando uma coisa chamada exilado. Eu acho que exilado quer dizer ter um pai tão atrasado, mas tão atrasado, que nunca mais volta pra casa.”

Essa é a última fala de Mauro, personagem principal do filme “O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias”, dirigido por Cao Hamburger e lançado em 2007. O filme se passa na época do regime militar e conta a história de um menino apaixonado por futebol que é levado para a casa do avô em São Paulo, enquanto seus pais “saem de férias” por tempo indeterminado. Boa parte do filme mostra o choque de realidade de Mauro que tenta, aos poucos, aceitar e seguir em frente com a sua nova vida, se adaptando à nova cidade e às pessoas que passam a fazer parte de seu cotidiano, ao mesmo tempo em que busca respostas para o paradeiro de seus pais.

46 anos antes (e no mundo real), um artista brasileiro, que se encontrava praticamente na mesma situação do garoto Mauro, lançava o seu trabalho de maior destaque. “Transa”, de Caetano Veloso, tornou-se um marco na história da música nacional, atravessando barreiras tanto de idiomas quanto de musicalidade, expondo uma pessoa que sofria para buscar a sua identidade, ao mesmo tempo em que aceitava a sua condição de isolamento em relação à sua terra natal.

O “Caetano Exilado” já havia lançado um belo álbum autointitulado em 1971, marcado, principalmente, por canções calmas e melancólicas, que apontavam claramente para as feridas deixadas pela saudade do Brasil. Um ano depois, em “Transa”, o artista já estava mais maduro e, segundo o próprio, já começava a gostar de Londres e descobrir o que de melhor a capital inglesa poderia oferecer. Em seus passeios por Portobello Road, por exemplo, conheceu o reggae jamaicano e dessa experiência saiu a canção “Nine Out of Ten”, considerada a “entrada oficial” do reggae na música popular brasileira.

“I’m alive, vivo, muito vivo, vivo, vivo,
Feel the sound of music banging in my belly, belly, belly.
Know that one day I must die,
I’m alive.”

Gravado praticamente ao vivo e com apenas 7 faixas, o álbum traz uma forte mistura de idiomas e ritmos, indo do baião ao rock ‘n’ roll clássico, da poesia barroca brasileira ao inglês com sotaque nordestino, sem perder a elegância e a sutileza.

Prova maior disso é “Triste Bahia”, canção mais longa do disco. Caetano a inicia declamando versos do poeta Gregório de Matos, acompanhado por um dedilhado de violão “à la bossa nova” e, ao fundo, a percussão vai se incorporando até tomar conta de vez da canção, em uma crescente alucinante ao torno dos 9 minutos de duração. O casamento quase perfeito entre a música brasileira com ritmos africanos.

“Triste Bahia, oh, quão dessemelhante!
A ti tocou-te a máquina mercante.
Quem tua larga barra tem entrado,
A mim vem me trocando e tem trocado.
Tanto negócio e tanto negociante…”

Outras canções também se destacam no decorrer do trabalho, como a bela “Mora Na Filosofia” e a bilíngüe “It’s A Long Way”, ambas com arranjos muito bem estruturados que conseguem transitar facilmente entre a cultura pop e o experimentalismo natural das obras de Caetano Veloso.

“Se seu corpo ficasse marcado
Por lábios ou mãos carinhosas
Eu saberia, ora vai mulher,
A quantos você pertencia.
Não vou me preocupar em ver,
Seu caso não é de ver pra crer.
Ta na cara!”

 “Arrenego de quem diz
Que o nosso amor se acabou.
Ele agora está mais firme
Do que quando começou.” 

 Em entrevista ao portal “Gaúcha ZH”, Caetano afirma que havia a possibilidade de sua carreira decolar na terra da rainha, mas que não pensou duas vezes em voltar ao Brasil no instante em que teve a chance. O que parecia uma loucura, acabou tornando-se uma decisão acertada e toda a história dos bastidores só engrandece ainda mais a importância de “Transa” em sua vida.

Crônicas

Olhos Iguais Aos Seus

(Texto que escrevi para o blog da Immagine no dia 18 de abril de 2007. Link aqui.)

A vida moderna está cada vez mais estressante. Horários, limites, metas e outros inúmeros fatores mascaram a nossa liberdade e pela falta de tempo, não pensamos nisso. Deixamos passar vários detalhes despercebidos, cegos pela correria do cotidiano e, de certa forma, nos tornamos apenas mais um na multidão, como Humberto Gessinger canta em “Olhos Iguais Aos Seus”, canção lançada em 1990 no clássico disco O Papa É Pop:

“Você olha ao seu redor e acha melhor parar de olhar. São olhos iguais aos seus, iguais ao céu ao seu redor.”

 

O olhar pode ser considerado uma voz para o silêncio, uma forma de se comunicar quando palavras não são o bastante. Tem olhares que nos engrandecem, enquanto outros nos derrubam. Alguns são questionadores, e outros só aumentam as dúvidas. Um certo olhar pode mudar a rota da viagem, o rumo de um planejamento, uma intenção a mais ou até a falta dela. Um olhar apaixonado salva o dia de alguém, enquanto um olhar de tristeza procura alguém que o faça.

A percepção do stress na vida moderna é bem clara no trânsito. Precisamos correr para chegar logo em casa, para não nos atrasarmos no trabalho, para passar naquele sinal ou, simplesmente, ser mais rápido do que aquele carro logo à frente, No caminho, lombadas, placas, nervosismo, freia, acelera, freia novamente, engarrafamentos, cruzamentos, etc.

Certo dia (já estressado) peguei a marginal ao lado da BR e transitava rumo à minha casa quando um olhar veio bem na minha direção, como uma flecha. E aquele olhar me pegou de jeito. Nesse instante, o detalhe não passou despercebido. Não dessa vez. Não sei se era um pedido de ajuda ou apenas cansaço. Jamais saberei. Aquele olhar, durante alguns segundos, serviu para me mostrar que, na maioria das vezes, reclamamos de barriga cheia.

Crônicas · Música

O acaso mora ao lado

(Texto que fiz para o blog da Immagine após um show do Dance of Days em Barreiras, Bahia, no dia 27 de agosto de 2016. Foi ao ar no dia 26 de outubro do mesmo ano. Link aqui.)

No dia 27 de agosto, fomos a Barreiras curtir o show de uma das mais bem-sucedidas bandas do underground brasileiro: a Dance of Days. Com 19 anos de estrada, eles eram aguardados com muita ansiedade e alegria pelos poucos fãs presentes no local do evento. Apesar do baixo público, o show foi como esperávamos: pesado, agitado e barulhento. É bom ressaltar que fotografar uma das bandas mais respeitadas da música independente brasileira foi uma realização muito grande, e abaixo seguem alguns dos registros.

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Apesar de toda essa festa, o show não é o nosso assunto principal. Iremos falar sobre o acaso, o inesperado, e sobre como certas ocasiões podem marcar a nossa vida e ficarem guardadas em nossa memória. E, claro, com a ajuda da fotografia.

Enquanto aguardávamos na entrada, começamos a conversar com Thonny, um simpático segurança que estava na porta do local. Conversamos por um bom tempo, e todos os nossos assuntos envolviam música.

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Em certo momento, falávamos sobre a arrogância de certos artistas que, apesar de pouco tempo no ramo, já se comportam como deuses da música. Nesta hora, Thonny pegou seu celular e nos mostrou uma foto, dizendo: “Vocês conhecem esse cara aqui? Esse cara me disse ‘Thonny, traga amanhã uma foto da sua família, quero conhecê-la’”. O “cara” da foto era Paul McCartney.

A Great Honnor

Ficamos surpresos, sem reação. Em seguida, Thonny começou a nos contar a sua história, e ouvimos atentamente. Em 1988 (na época, era policial militar), ao ser visto conversando em inglês com um turista na Passarela do Samba, no Rio de Janeiro, foi convidado por um policial civil para trabalhar com segurança de estrangeiros. Sua empresa cobria eventos de grande porte, fato que o proporcionou a chance de trabalhar com artistas lendários, como Paul McCartney, Sting, Ozzy Osbourne, Kurt Cobain, entre outros. As fotos abaixo foram gentilmente cedidas pelo próprio Thonny, através do whatsapp.

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Perguntamos a ele qual foi o momento mais marcante de sua carreira, e ele nos disse:

“Momento mais marcante fica difícil dizer qual, mas um bastante interessante foi dirigir para PAUL MCCARTNEY, e ele sentar no banco do carona e começar a conversar comigo, perguntando coisas de minha vida, tipo onde eu morava, se era casado, quantos filhos… E o mais interessante, se eu tinha foto dos meus filhos comigo, depois ele abriu sua carteira e me mostrou a de seus filhos. No dia seguinte, ele me cobrou a foto de minha família, mulher e filhos. E depois, no final do trabalho, quando ele já estava dentro do avião quase partindo, me chamou para tirarmos uma foto juntos, eu, ele e a família. Ele juntou todo o dinheiro brasileiro, de todos da equipe dele, e me deu dizendo que não era para pagar o meu trabalho, e sim para que eu comprasse presentes para meus filhos em nome dele.”

A frase acima foi enviada pelo Whatsapp especialmente para o blog, e por si só já nos deixou arrepiada. Porém, o ouvir falar sobre esse acontecimento no dia do show foi ainda mais emocionante, algo surreal. A maneira como ele detalhava as situações, e o nível de intimidade que ele adquiriu com Paul nos deixou totalmente surpresos. Foi gratificante ouvir e saber que um dos maiores artistas de todos os tempos era uma pessoa extremamente humilde e simpática.

E Thonny continuou a nos contar mais histórias. Cada nova foto que víamos nos causava uma explosão de sensações, como se não acreditássemos que aquilo estava mesmo acontecendo.

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Outro trecho da conversa que causou muita comoção foi quando Thonny contou sobre o seu trabalho com Kurt Cobain, ex-líder do Nirvana, quando a banda veio ao Brasil para dois shows. Ao explicar os detalhes, Thonny nos contou o quão simples era Kurt, e como a fama o incomodava. Certa vez, Kurt perguntou a Thonny: “Hey Thonny, por que eu faço tanto sucesso, se existem artistas muito melhores do que eu?” Ao ouvir essas palavras, todos que participavam da conversa não disfarçaram a emoção. Sem falar na parte onde Kurt resolveu pular de asa delta de pijamas e calças rasgadas, que gerou risadas de todos nós.

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Depois de um longo tempo de conversa, nos despedimos de Thonny e adentramos ao local do evento. Mas confesso que poderíamos passar o resto da noite toda ali ouvindo suas histórias. É incrível como um momento que parecia ser tão comum, como esperar na porta de uma casa de shows, pudesse se transformar em algo magnífico. Naquela noite Thonny e suas histórias deixaram as nossas vidas mais brilhantes. Muito obrigado, Thonny, por ter tornado aquele dia marcante e inesquecível. Novamente a fotografia esteve presente em um momento especial. Esperamos reencontrá-lo para ouvir mais histórias. Na nossa dança de cada dia, o acaso é quem se destaca.

Crônicas · Música · Traduções

Alguns Centavos Por Amor

(Texto escrito para o blog da Immagine que foi ao ar hoje. Link aqui. Para melhor entendimento, o link da tradução citada no texto está aqui.)

Há alguns anos atrás, talvez uns oito ou nove, conheci um blog que foi fundamental na construção do meu gosto musical. Se chamava “Amor Louco Br” e era voltado (basicamente) ao rock independente dos anos 80 e 90. Não importa se a banda era bem conhecida ou se era uma daquelas pérolas obscuras que passam despercebidas pela atenção do público. Provavelmente, teria algum registro disponível para ouvirmos.

Naquele gigantesco acervo digital, conheci artistas que se tornaram referências máximas para mim, como os Pixies, Nick Cave e o Sonic Youth, bem como outros artistas renomados. Também conheci artistas que, infelizmente, acabaram se tornando obscuros em meio a esse vasto universo musical. Dentre essa infinidade de trabalhos, lembro-me bem de ficar interessado em “Love 15”, único disco da extinta banda de Detroit, Majesty Crush.

Quando ouvi pela primeira vez, foi uma viagem sonora daquelas que demoramos a voltar ao estado normal. Naquele dia, fui dormir ansioso, pois queria continuar ouvindo aquelas músicas novamente e novamente e novamente. Sem parar. A voz calma de David Stroughter contrasta com os instrumentos que, ao fundo, criam toda a atmosfera do disco. As guitarras atuam como camadas/texturas que permitem um destaque maior do baixo e da bateria. Um típico álbum de shoegaze, que ultrapassa esse limite e vai ainda mais além.

Talvez pela minha inquieta vontade de conhecer cada vez mais e mais novos artistas, “Love 15” acabou desaparecendo das minhas audições. Por fim, fiquei anos sem ouvi-lo. Para ser bem sincero, até me esqueci da existência dele e do “Majesty Crush”. Porém, a espiral do universo fez questão de torná-lo presente de novo nas minhas playlists.

Sem saber o motivo, acordei com “Penny For Love” na cabeça, como se fosse uma continuação daquele sono de anos antes, que mencionei acima. E ela não parava um só minuto de tocar na minha rádio interna. Desde o despertar até o trajeto para o trabalho, seu refrão era repetido incessantemente em minha mente, como uma súplica, me implorando para ouvi-la novamente, depois de tanto tempo. E após realizar o tal desejo, era como se eu nunca tivesse esquecido sua existência.

Resolvi checar novamente informações sobre a banda pela internet, com a expectativa de encontrar algo novo, diferente da época em que a conheci, onde nem as letras das músicas estavam disponíveis. O cenário no Google era o mesmo, com informações escassas, mas com uma notícia a mais que se destacava. Porém, ela não foi nada animadora. David Stroughter, a mente principal por trás do projeto, havia falecido quase um ano antes da minha busca.

Pesquisei a fundo toda a situação que envolveu a sua morte e encontrei um artigo de despedida escrito pelo ex-baixista da banda, Hobey Echlin. Até fiz uma tradução do mesmo, para me aprofundar ainda mais na história desse enigma da música underground.

O Majesty Crush foi um verdadeiro caso de estar no lugar errado na época errada. Fizeram certo sucesso na região de Detroit e até emplacaram uma canção nas rádios. Porém, quando conseguiram lançar um disco por uma gravadora, ela faliu pouco tempo depois, arruinando o sonho dos integrantes, que não mais tiveram forças para manter a banda. David até se manteve ativo, mas sempre à margem da cultura independente.

Esse texto é uma homenagem ao Majesty Crush e, principalmente, a David Stroughter. Uma figura inquieta e brilhante que liderou uma das bandas mais interessantes de sua época. Certamente, sucesso não é sinônimo de qualidade.